Les 7 Filles d’Héva, hommage à nos mères fondatrices du nouveau monde

Elles sont belles, les filles d’Héva, dans leurs modes de représentations hiératiques, solennels. Le peintre s’est imposé des règles plastiques pour célébrer avec brio les femmes et les mères de notre culture : un fond monochrome brun-marron ressemblant à du bois ciré, patiné, marbré ; le visage de la même teinte que le fond ; le vêtement en noir et blanc en passant par une gamme de gris ; les mains blanches ; l’absence de pieds.

Dans les trésors du fonds de l’Iconothèque de l’océan Indien, Kako a extrait sept portraits de femmes qui ont été exposées et ont posé sous le regard colonial pour des photographies et des cartes postales éditées à l’entre-deux du 19e et 20e siècle.

Ces femmes photographiées deviennent à leur tour ses modèles ; elles posent de nouveau pour lui, en quête de savoir qui elles sont ; avec le désir de nous montrer comment il les voit ; alors il se fait copiste mais il produit des écarts. L’écart est minimal : sur les cartes postales ou photographies, le décor est sobre, comme dans les 7 filles d’Héva qui se détachent du fond monochrome. L’écart est aussi maximal : la monumentalité décelée dans les tout petits formats se projette dans un format portrait de taille 1 (110 x 177 cm). L’effet recherché et réussi est de les présentifier, de rendre présentes à notre conscience leurs absences ou leurs présences cachées, oubliées. De les ramener à nous, vers nous, aujourd’hui. Et lorsque nous sommes face à elles.

Vois là. Les 7 filles d’Héva flottent dans l’espace. Et le peintre a tout mis en œuvre à cette fin : visions qu’il a eues dans son long et lent dialogue avec ses modèles et qu’il nous offre. Les filles d’Héva sont des apparitions, des épiphanies.

Ça contraste fort entre le fond et la forme. Entre la couleur et le noir et blanc. Entre le vêtement – qui montre la condition humaine et sociale de la femme – et le visage encore pris dans l’épaisseur de la matière colorée du fond. L’attention quasi amoureuse du peintre apportée à être le plus réaliste possible dans la représentation de l’habit, à accentuer le volume par le travail des drapés, des plis dans les tissus imprimés traditionnels, à faire dominer le blanc, amène le spectateur à ressentir une possible sortie du tableau. C’est le vêtement qui « excroit » d’abord du tableau ; puis c’est au tour de la chevelure-sculpture, signe de caractères sauvage, guerrier, tribal ou sage. Mais celle qui a envie de venir vers nous n’a pas de corps – c’est ce qu’indique le blanc des mains, le blanc du haut de la poitrine de la femme Bara. C’est le vêtement qui tient lieu de ce corps mort et dont l’âme nous revient.

De ces défuntes revenantes au corps spectral il reste le regard vivant.
Elles nous regardent fixement ou vaguement, étonnées ou apaisées. Parfois neutres. Dans un jeu d’ombres et de lumières. Dans un jeu de matières et d’« immatière », de représentation ou de présence de l’absence.

Nous n’avions pas de portrait d’Héva – la compagne d’Anchaing qui a pris une part active dans le marronage – et de ses filles dont les noms des deux premières sont restés célèbres : Simangavole et Marianne. Les faits historiques du marronnage sont quasi devenus des légendes. C’est chose faite avec Le tour des origines d’un nouveau monde – Madécasse qui est un fort et très bel hommage aux premières femmes madécasses qui ont peuplé notre île, à Héva et à Clélie Gamaleya qui nous a conté les Trois siècles de la vie des Femmes à La Réunion.

Est-ce la force de la blessure produite par l’oubli que de vouloir produire du beau ?

Colette Pounia
Extrait du texte paru dans le catalogue de l’exposition Le tour des origines d’un nouveau monde – Madécasse au Hang’Art, Saint-Pierre, La Réunion, édition Kf actory, 2020.
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