Par Diana Madeleine
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actualité des artistes
In Our Veins Flow Ink and Fire
Biennale de Kochi-Muziris, Kochi, du 12/12/2022 au 10/04/2023, Myriam Omar Awadi
La nuit n'est ni sombre, ni noire. Elle est transparente.
Exposition collective, Médiathèque du Tampon, Tampon, du 20/01/2023 au 30/03/2023, Alice Aucuit, Anne Fontaine, Myriam Omar Awadi, Yohann Quëland de Saint-Pern
Cosmologie de l’intime
Exposition personnelle, Bibliothèque universitaire Droit-Lettres / Campus du Moufia, Saint-Denis de La Réunion, du 06/02/2023 au 13/07/2023, Esther Hoareau
Le Château de BB
Duo Show, TÉAT Champ Fleuri - La Galerie, Sainte-Clotilde, du 17/02/2023 au 07/04/2023, Alice Aucuit
regards
Chloé Robert « Face à une bête sauvage »
2022
Le dessin innerve la pratique de Chloé Robert depuis ses débuts en tant qu’artiste. Il s’insinue comme un langage et investit tous les espaces ou matériaux, le papier en premier lieu, mais aussi, le mur, la toile, la vidéo, etc. Qu’elle choisisse l’efficacité du noir et blanc dans les œuvres à l’encre de Chine ou la fraîcheur des compositions vives et colorées, ses œuvres se distinguent par un désir d’aller à l’essentiel, non pas tant par sobriété visuelle que par la confrontation directe à un monde de formes qui nous défient du regard, nous humains, dans la ronde des êtres vivants. Sa recherche progresse d’un état sauvage fantasmé aux possibles croisements entre l’homme et l’animal, des chimères graphiques face à la complexité de notre rapport au vivant.
en bref
Alice Aucuit
MÀJ 31.10.2022
Né⋅e en 1982
Vit et travaille à La Réunion
Représenté⋅e par Galerie Very Yes, La Réunion, Galerie Collection, Ateliers d'Art de France, Paris, Opus Art Réunion
Gorgone et Baba Yaga, série L’Écho des berceuses, 2020.
Vue d’atelier. Porcelaine, hauteur 30 cm.
© ADAGP 2020
Kèr, 2014.
Porcelaine, cuisson Anagama.
© ADAGP 2014
La danse, série Parodies, 2015.
Assiette de porcelaine, transferts. Collection du Musée de Villèle.
© ADAGP 2015
Sans Titre, 2016.
Porcelaine enfumée, cuisson Anagama.
© ADAGP 2016
Alice Aucuit fait de la céramique son médium de prédilection, une pratique traditionnelle qu’elle associe à des techniques de transferts et de reproductions contemporaines. Travaillant par corpus, aux titres évocateurs, elle se met en condition de production via des temps d’immersion dans un lieu et son Histoire avec lesquels ses œuvres entrent en dialogue. Archéologie absente , Parodie , La Part des Anges ou L’Écho des Berceuses traitent ainsi pour chacun d’un patrimoine à la fois visible et invisible, point de départ de nouveaux récits. “Je détricote les contes et les mythes comme les faits d’actualités pour tisser des histoires anachroniques et syncrétiques que je brode sur la trame de l’Humanité”, […]
Alice Aucuit fait de la céramique son médium de prédilection, une pratique traditionnelle
qu’elle associe à des techniques de transferts et de reproductions contemporaines. Travaillant par corpus, aux titres évocateurs, elle se met en condition de production via des temps d’immersion dans un lieu et son Histoire avec lesquels ses œuvres entrent en dialogue. Archéologie absente, Parodie, La Part des Anges ou L’Écho des Berceuses traitent ainsi pour chacun d’un patrimoine à la fois visible et invisible, point de départ de nouveaux récits. “Je détricote les contes et les mythes comme les faits d’actualités pour tisser des histoires
anachroniques et syncrétiques que je brode sur la trame de l’Humanité”, dit-elle. De l’intime à l’universel, du sacré au populaire, ces histoires figurent l’amour, la création, le féminin ou la mort et finissent par résonner dans l’inconscient collectif. Des thèmes qui s’inscrivent dans les cœurs et les ossements des séries Ker et Bone China, contenant en creux une certaine mémoire du corps et des contes, cathartiques, comme autant de vanités.
Leïla Quillacq, 2020.
Jean-Marc Lacaze
MÀJ 28.10.2022
Représenté⋅e par Aedaen Gallery, Strasbourg // Opus Art Réunion
Sans titre, série Chien noir, 2012.
Encre sur papier, 70 x 100 cm.
© ADAGP 2012
Ex-Voto, 2017.
Installation, nappe plastique, guéridon, cire, pigments.
© ADAGP 2017
Rex Bourbon, 2013.
Installation, tissu, imprimé flex, bois, corde. Dimensions variables. Vue de l’exposition collective Nuit d’art de Pleine Lune, L’Éperon, La Réunion.
© ADAGP 2013
Color Tank, série Colordrama, 2014.
Crayons de couleur sur paper, 70 x 90 cm.
© ADAGP 2014
Entre hilarité et gravité, le travail de Jean-Marc Lacaze fait l’effet d’une claque derrière les oreilles. En exploitant les qualités de multiples médiums et supports, il met en relation des codes et des motifs empruntés à différentes cultures, à l’Histoire et à l’actualité, et de cette confluence surgit un langage graphique singulier et franc. La distance entre la forme esthétiquement soignée et le fond d’une brutalité sans détour génère une tension narrative qui change la donne des prises de paroles que l’on dit habituellement engagées - quand elles ne font, en fait, que servir celui ou celle qui les profèrent. Le parti-pris de Jean-Marc Lacaze est d’interpeller et d’inviter au débat, avec une […]
Entre hilarité et gravité, le travail de Jean-Marc Lacaze fait l’effet d’une claque derrière les oreilles. En exploitant les qualités de multiples médiums et supports, il met en relation des codes et des motifs empruntés à différentes cultures, à l’Histoire et à l’actualité, et de cette confluence surgit un langage graphique singulier et franc. La distance entre la forme esthétiquement soignée et le fond d’une brutalité sans détour génère une tension narrative qui change la donne des prises de paroles que l’on dit habituellement engagées - quand elles ne font, en fait, que servir celui ou celle qui les profèrent. Le parti-pris de Jean-Marc Lacaze est d’interpeller et d’inviter au débat, avec une générosité certaine, et non de faire dans la provocation par goût du style. En ce sens, son travail est une forme plastique d’humour noir qui, en alliant une sensibilité à vif à une exigence intellectuelle aigüe, nous oblige à reconsidérer frontalement le what the fuck incessant dans lequel nous plonge l’observation des activités humaines.
Marie Birot, 2020.
Leïla Payet
MÀJ 28.10.2022
Vue de l’exposition Pictogrammes, 2015.
Avec Diana Madeleine, galerie Claude Watrin, Fameck. Production et commissariat Mondes du cinéma et Le Mètre Carré.
Discours sur le colonialisme, Aimé Césaire, 3, série Tapis Mendiant, 2014.
Vidéo, 26 s.
Fonnkèr haïku pou silans, corpus Lalangue, 2019.
Installation, tirages numériques sur dos bleu, vidéo, 2 min 55 s, vue de l’exposition Vague silencieuse, ESA Réunion.
NO STATUES/NO STATUT, épisode 0, 2019.
Court-métrage co-réalisé avec Diana Madeleine, musique de Mélanie Badal, 4 min 49 s, photogramme.
Leïla Payet travaille sur le « récit de fabrication » du territoire insulaire qu’elle habite. À partir d’un atlas de recherches contenant des réserves d’images et de données, elle compose des œuvres ouvertes et en dialogues. Celles-ci portent en partie sur ce que l’on nomme art « primitif » ou « exotique » et sur leurs modalités d’existence périphérique dans une pensée globalisée. Conçues comme des productions embryonnaires à partir d’un langage primaire, ses œuvres s’élaborent comme « des ritournelles, des émissions graphiques, des jets de la pensée ». Chaque corpus, dont le central No statues/No statut , explore ainsi les procédés de fabrication d’une pensée, d’un […]
Leïla Payet travaille sur le « récit de fabrication » du territoire insulaire qu’elle habite. À partir d’un atlas de recherches contenant des réserves d’images et de données, elle compose des œuvres ouvertes et en dialogues. Celles-ci portent en partie sur ce que l’on nomme art « primitif » ou « exotique » et sur leurs modalités d’existence périphérique dans une pensée globalisée. Conçues comme des productions embryonnaires à partir d’un langage primaire, ses œuvres s’élaborent comme « des ritournelles, des émissions graphiques, des jets de la pensée ». Chaque corpus, dont le central No statues/No statut, explore ainsi les procédés de fabrication d’une pensée, d’un discours ou d’une image, portant des questionnements sensibles sur les « processus de créolisation » intimement liés à la colonisation et à la décolonisation. Une œuvre en travail, qui interroge nos « formes de voir » et soulève en creux une lutte pour la réhabilitation d’histoires, de langages et de territoires invisibilisés, contorsionnés, dépossédés.
Leïla Quillacq, extrait de texte et entretien avec l’artiste, pour documents d’artistes La Réunion, 2020.
Kid Kreol & Boogie
MÀJ 28.10.2022
1984 et 1983.
Vivent et travaillent à La Réunion
Axis Mundi, 2019.
Technique mixte (aérosol et acrylique), 1800 m². Autopont de Lyon, Autoroute du Soleil.
© ADAGP 2019
Sans titre, 2019.
Encre sur papier affiche, 7,77 m. Tamatave - Madagascar. Résidence Patrimoine et Création du Conseil Général de La Réunion avec l’Iconothèque Historique de l’Océan Indien (IHOI).
Œuvre © ADAGP 2019 | Photographie M. Thurel
Sans titre, Lave pétrifiée 2, 2018
Encre sur papier, 76 x 112 cm.
Sans titre - Nuit, 2022
Aérosol et encre sur papier, 50 x 40 cm.
Formé de Jean-Sébastien Clain (Kid Kréol) et Yannis Nanguet (Boogie), le duo est actif depuis leur adolescence. […] Ils déploient des graffitis, d’abord inspirés par le street art américain des années 1970-1980, qui vont peu à peu s’épaissir par l’appropriation de références en prise avec la culture et l’histoire réunionnaise. Une histoire habitée par un vide que les deux artistes s’emploient à combler, à habiter et à réincarner. Pour cela, ils ont progressivement élaboré une mythologie constituée de paysages (terrestres et célestes), de dieux, de déesses, de chimères et de monstres humains et animaux. Les Hommes Montagnes et les Hommes Univers, nous invitent à imaginer les origines d’une île dans sa formation […]
Formé de Jean-Sébastien Clain (Kid Kréol) et Yannis Nanguet (Boogie), le duo est actif depuis leur adolescence. […] Ils déploient des graffitis, d’abord inspirés par le street art américain des années 1970-1980, qui vont peu à peu s’épaissir par l’appropriation de références en prise avec la culture et l’histoire réunionnaise. Une histoire habitée par un vide que les deux artistes s’emploient à combler, à habiter et à réincarner. Pour cela, ils ont progressivement élaboré une mythologie constituée de paysages (terrestres et célestes), de dieux, de déesses, de chimères et de monstres humains et animaux. Les Hommes Montagnes et les Hommes Univers, nous invitent à imaginer les origines d’une île dans sa formation géologique et mythologique. […] Des paysages et des éléments constitutifs de leur quotidien, ils extraient des figures fantasmagoriques, hallucinatoires, des énergies, des esprits ou encore des fantômes. Ces entités (humaines, animales, végétales, minérales) engendrent un espace narratif où la multiplication et la créolisation des récits deviennent possibles.
Julie Crenn, extraits de TEXTES CRITIQUES SCENE REUNIONNAISE, 2019.
Esther Hoareau
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1976
Vit et travaille à Saint-Pierre, La Réunion
-
Saint-Gilles-les-Bains, La Réunion
Sans titre, série Neige, 2017.
Tirage numérique contrecollé sur aluminium, dimensions variables. Collection FRAC Réunion.
Sanctuaire, 2010.
Vidéo, 8 min. Collection Ville de Saint-Pierre.
Noir, série Ovni, 2013.
Photographie, matériaux divers. Collection privée.
Rouge 2, série Ovni, 2013.
Photographie, collection privée.
Les œuvres d’Esther Hoareau engagent une réflexion sur les liens qui existent entre la Nature et l’Homme. Les vidéos, dessins, photographies, textes et performances mettent en lumière les différentes formes d’inscription du corps au sein de paysages (terrestres, célestes, marins, cosmiques). Avec une perspective à la fois poétique, facétieuse, spirituelle, philosophique et sensible, l’artiste s’empare du sublime : tout ce qui nous dépasse physiquement et conceptuellement. À la finitude de l’île, elle répond par l’échappée et par le détournement. […] Esther Hoareau met en œuvre un imaginaire qui est en partie nourri de son expérience de l’île, de ses voyages (concrets et mentaux) et de son observation des […]
Les œuvres d’Esther Hoareau engagent une réflexion sur les liens qui existent entre la Nature et l’Homme. Les vidéos, dessins, photographies, textes et performances mettent en lumière les différentes formes d’inscription du corps au sein de paysages (terrestres, célestes, marins, cosmiques). Avec une perspective à la fois poétique, facétieuse, spirituelle, philosophique et sensible, l’artiste s’empare du sublime : tout ce qui nous dépasse physiquement et conceptuellement. À la finitude de l’île, elle répond par l’échappée et par le détournement. […] Esther Hoareau met en œuvre un imaginaire qui est en partie nourri de son expérience de l’île, de ses voyages (concrets et mentaux) et de son observation des paysages (de ses détails comme de son immensité). […] Une ambivalence entre la fascination et l’inquiétude s’immisce dans une grande partie de l’œuvre d’Esther Hoareau. Ainsi, elle articule l’émerveillement, le réenchantement et la puissance, avec une part d’inquiétante étrangeté et d’inconnu.
Julie Crenn, extraits de TEXTES CRITIQUES SCÈNE RÉUNIONNAISE, 2019.
Brandon Gercara
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1996
Vit et travaille à La Réunion
-
FRAC Réunion 6, allée des Flamboyants, 97436 Piton Saint-Leu
Playback de la pensée Kwir, 2021
Installation, performance fictive, prompteur sur écran numérique, diffusion sonore, scène (fer, bois, strass, paillettes, mousse expansée, aérosol), perruque, chaussures à talons, valise, objets divers, 4 x 2 m.
Photographie @ Ugo Woatzi
Majik Kwir, 2021
Avec Ugo Woatzi, série de 7 tirages numériques sur aluminium (3 exemplaires), 20 x 30 cm.
Lip sync de la pensée, 2020
Performance et installation, triptyque de discours d’Asma Lamrabet, Françoise Vergès et Elsa Dorlin, 14 min.
Collection Frac Réunion © Marcel © Éric Lafargue
Lip sync, Kaf Malbar : Rak Partout, 2019
Vidéo, 1 min 45 s.
Réalisation et montage Brandon Gercara Cadrage Marcel Figuration Margot Cazal et Jayce Salez
« Brandon Gercara pense et fabrique des espaces politiques où les contre-pouvoirs peuvent exister et prendre forme. D’une chanson de Mariah Carey à un espace festif, en passant par une campagne électorale, ielle infuse les problématiques de genre, de féminisme décolonial, d’intersectionnalité ou de créolisation par le biais d’évènements issus de la culture populaire. Ces évènements non autoritaires sont ouverts à toustes. Parce qu’ils appartiennent à un langage commun, ces évènements annulent les questions de la légitimité et de l’accès. Par le chant, la danse, la rencontre autour d’une table, un verre à la main, des paillettes et des ballons dorés, Brandon Gercara génère une œuvre protéiforme envisagée […]
« Brandon Gercara pense et fabrique des espaces politiques où les contre-pouvoirs peuvent exister et prendre forme. D’une chanson de Mariah Carey à un espace festif, en passant par une campagne électorale, ielle infuse les problématiques de genre, de féminisme décolonial, d’intersectionnalité ou de créolisation par le biais d’évènements issus de la culture populaire. Ces évènements non autoritaires sont ouverts à toustes. Parce qu’ils appartiennent à un langage commun, ces évènements annulent les questions de la légitimité et de l’accès. Par le chant, la danse, la rencontre autour d’une table, un verre à la main, des paillettes et des ballons dorés, Brandon Gercara génère une œuvre protéiforme envisagée comme un territoire hospitalier où le champ théorique et plastique trouve une entrée dans la fabrication d’un nouvel imaginaire collectif : queerisé, créolisé et décolonisé. »
Extrait de « Corps d’à côté » de Julie Crenn, 2019
Soleïman Badat
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1974
Vit et travaille à Saint-Denis, La Réunion
-
Ateliers LERKA : 51, Route de Saint-François, 97400 Saint-Denis, La Réunion
Der größte Berg der Insel, série Back to promise island, 2011.
Photographie numérique, dimensions variables.
Doomsday rising / slim slender, 2014.
Encre de chine et aquarelle sur papier, 50 x 65 cm.
Found footage project, 2015.
Installation vidéo, moniteurs TV 4:3 et projection, durée et dimensions variables. Vue de l’événement Parcours artistique des journées du patrimoine européen, 2015, commissariat Nathalie Gonthier, Courants d’art, parking souterrain de la Mairie de Saint-Denis, La Réunion.
War is peace, 2012.
Avec Jean-Marc Lacaze. Acrylique sur papier, épingles, 200 x 200 cm, collection FRAC Réunion. Vue de l’exposition collective Océanique, 2014, TÉAT Champ Fleuri, commissariat Caroline Smulders.
Les compositions plastiques de Soleïman Badat sont élastiques et modulables. Son dessin et sa peinture usent de l’humour noir quand son travail photo ou vidéo se rapproche d’une posture documentaire, portant un regard critique sur ce qui fait événement et impacte notre lecture du monde. Ses recherches expérimentales font naître une multitude de matières premières à partir desquelles l’artiste fouille, compose et mixe jusqu’à engendrer des « glitchs » - sortes de parasites infiltrant le son et l’image pour venir faire « crisser » l’information - faisant ainsi jaillir, par la substance même, des sujets polémiques et grinçants. En balance entre un certain optimisme rêveur et contemplatif et […]
Les compositions plastiques de Soleïman Badat sont élastiques et modulables. Son dessin et sa peinture usent de l’humour noir quand son travail photo ou vidéo se rapproche d’une posture documentaire, portant un regard critique sur ce qui fait événement et impacte notre lecture du monde.
Ses recherches expérimentales font naître une multitude de matières premières à partir desquelles l’artiste fouille, compose et mixe jusqu’à engendrer des « glitchs » - sortes de parasites infiltrant le son et l’image pour venir faire « crisser » l’information - faisant ainsi jaillir, par la substance même, des sujets polémiques et grinçants.
En balance entre un certain optimisme rêveur et contemplatif et une conscience réaliste et brutale de son environnement naturel, sociétal, économique et politique, les œuvres de Soleïman Badat basculent sans cesse entre des formes résilientes et chaotiques, enchantées et dégénérescentes, et appellent en creux à une forme de révolte.
Leïla Quillacq, 2020
Stéphanie Hoareau
MÀJ 14.03.2023
Né⋅e en 1982
Vit et travaille à La Réunion
-
Atelier OCETRA : darse n° 6, atelier 38, Le Port, La Réunion
Bélouve, 2010.
Acrylique sur toile, 2 x 9 m, 6 panneaux de 2 x 1,50 m. Vue de l’exposition Dak’Art 2012, 2012, Dixième Biennale de l’art africain contemporain, Dakar. Collection Ville de Saint-Pierre, La Réunion.
© ADAGP 2010
Jacqueline, 2014.
Résine et bois, 1 x 0,60 x 0,50 m. Détail, vue d’atelier.
© ADAGP 2014
Ofé et Sanjee, série Communauté inavouable, 2018.
Huile sur toile, 2 x 2,50 m.
© ADAGP 2018
Quine !, série Dessins de famille, 2018.
Oxyde sur porcelaine, 46 x 34 cm.
© ADAGP 2018
Stéphanie Hoareau fait de la peinture un médium de prédilection. Dès le départ, elle peint la part cachée de l’île de La Réunion en explorant ses paysages et ses habitants. […] L’artiste arpente aussi bien les paysages naturels que les paysages urbains : propices à l’observation d’une autre faune. En 2012, elle entreprend un projet d’ampleur consacré aux figures marginales de l’Île. […] Des individus qui vivent à l’écart de la société, suscitant aussi bien la méfiance que la fascination. Ils sont à l’origine de légendes puisqu’à leurs propos court une multiplicité de rumeurs, d’histoires et d’anecdotes. […] Des photographies à la peinture, en passant par la sculpture et la vidéo, l’intensité des regards […]
Stéphanie Hoareau fait de la peinture un médium de prédilection. Dès le départ, elle peint la part cachée de l’île de La Réunion en explorant ses paysages et ses habitants. […] L’artiste arpente aussi bien les paysages naturels que les paysages urbains : propices à l’observation d’une autre faune. En 2012, elle entreprend un projet d’ampleur consacré aux figures marginales de l’Île. […] Des individus qui vivent à l’écart de la société, suscitant aussi bien la méfiance que la fascination. Ils sont à l’origine de légendes puisqu’à leurs propos court une multiplicité de rumeurs, d’histoires et d’anecdotes. […] Des photographies à la peinture, en passant par la sculpture et la vidéo, l’intensité des regards nous interpelle. La confrontation des regards, les leurs, les nôtres, produit autant de fascination que de malaise. À la marginalité de ses personnages, Stéphanie Hoareau préfère la liberté et la fragilité de leurs existences en rupture avec le réel organisé de la société.
Julie Crenn, extraits de TEXTES CRITIQUES SCENE RÉUNIONNAISE, 2019.
Tiéri Rivière
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1981
Vit et travaille à La Réunion
Billes, 2021.
Vidéo, 40 s.
© ADAGP 2021
Champ, 2013.
Sculpture, plexiglass, 25 000 tiges, 120 x 220 cm. Production Art Sud, Saint-Joseph.
© ADAGP 2013
Home, 2012.
120 parpaings 120 x 80 x 160 cm. Vue d’exposition au Centre d’Art Albert Chanot à Clamart.
© ADAGP 2012
Sac de couchage, 2018.
Série de 6 dessins, 32 x 26 cm, acquisition Ville de Saint-Pierre, La Réunion.
© ADAGP 2018
Si Tiéri Rivière n’a pas de médium de prédilection et navigue aisément entre vidéo, installation, dessin et volume, son travail est traversé par un attachement à la notion d’équilibre, dont la recherche est expérimentée dans des pièces qui mettent en jeu des tensions, des potentialités de chute. En matérialisant l’attente d’une situation qui se produira, ou ne se produira pas, l’artiste joue avec le temps et ses effets sur la réception du spectateur. La variable temporelle participe à la démarche de création tantôt dans l’idée de suspension, tantôt dans l’idée de répétition. C’est le cas notamment dans ses vidéos, toutes répondant au même principe de production: de courts plans séquences qui passent en boucle, […]
Si Tiéri Rivière n’a pas de médium de prédilection et navigue aisément entre vidéo, installation, dessin et volume, son travail est traversé par un attachement à la notion d’équilibre, dont la recherche est expérimentée dans des pièces qui mettent en jeu des tensions, des potentialités de chute. En matérialisant l’attente d’une situation qui se produira, ou ne se produira pas, l’artiste joue avec le temps et ses effets sur la réception du spectateur. La variable temporelle participe à la démarche de création tantôt dans l’idée de suspension, tantôt dans l’idée de répétition. C’est le cas notamment dans ses vidéos, toutes répondant au même principe de production: de courts plans séquences qui passent en boucle, donnant à voir une situation simple et souvent drôle. Cela ajoute une tonalité burlesque à l’œuvre, qui est présente en filigrane dans l’ensemble du travail. Les objets ont une place centrale dans la pratique de Tiéri Rivière. Beaucoup de travaux présentent l’artiste se mettant en scène dans un jeu physique avec un objet. Il s’agit d’objets simples: une bassine, un parpaing, une feuille de tôle ondulée qui constituent un vocabulaire plastique ludique et intuitif, augmentant avec le temps. Les œuvres de Tiéri Rivière se caractérisent par une économie de moyens et une précision dans la réalisation. Ce mode opératoire se retrouve dans ses volumes résultant d’un bricolage simple et efficace ou d’un assemblage minutieux (Voyaz, Radeau, Bureau…), ainsi que dans ses dessins dans lesquels les vides ont un rôle plastique, ils se dégagent du support, laissant planer une tension graphique: la figure naît-elle de la surface vierge ou va-t-elle se diluer dans celle-ci?
Céline Bonniol, 2020.
Cristof Dènmont
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1977
Vit et travaille à La Réunion
-
LA BOX : 60 rue Auguste Lacaussade, 97430 Le Tampon, La Réunion
Pièces à conviction, 2016.
Installation. Étagères, objets usuels, plante, dessins, photographies et impressions numériques. Vue de l’exposition collective Sans engagement de votre part, 2016, La Box, Le Tampon, La Réunion, commissariat Yohann Quëland de Saint-Pern.
Station 220118, série Purgatoire, 2018.
Huile sur toile, 170 x 190 cm, vue de l’exposition individuelle Purgatoire, 2018, galerie Ter’la, Saint-Denis, La Réunion. Collection du futur Centre d’art de Saint-Pierre.
Station 281219, 2019.
Huile sur toile, 120 cm x 120 cm.
Cocobeach Club, 2014.
Huile sur toile, 73 x 92 cm. Collection privée.
Le travail de Cristof Dènmont ressemble à un reflet farceur de la peinture figurative et abstraite. Les contrastes et les aplats de couleurs indiquent de façon sommaire la profondeur de champ tandis que les éléments qui composent le paysage semblent nous regarder avec le flegme vaporeux de ceux qui n’ont plus rien à prouver. Cet effet de suspension et l’humour qui s’en dégage donnent la sensation d’évoluer dans l’œuvre comme dans un jeu à plateaux. Le spectateur peut avoir l’impression d’atterrir sur une planète où les grandes figures de la vie terrestre cohabitent de façon aussi surprenante, voire déroutante, que les clichés des cartes postales promettant de « bons baisers des tropiques ». Pourtant, […]
Le travail de Cristof Dènmont ressemble à un reflet farceur de la peinture figurative et abstraite. Les contrastes et les aplats de couleurs indiquent de façon sommaire la profondeur de champ tandis que les éléments qui composent le paysage semblent nous regarder avec le flegme vaporeux de ceux qui n’ont plus rien à prouver. Cet effet de suspension et l’humour qui s’en dégage donnent la sensation d’évoluer dans l’œuvre comme dans un jeu à plateaux. Le spectateur peut avoir l’impression d’atterrir sur une planète où les grandes figures de la vie terrestre cohabitent de façon aussi surprenante, voire déroutante, que les clichés des cartes postales promettant de « bons baisers des tropiques ». Pourtant, derrière ces apparents raccourcis symboliques, se cachent une connaissance étendue de la peinture dont l’artiste pirate les codes et une réflexion piquante sur ce que l’humain considère comme lui étant proche ou étranger. Et d’un même geste, l’artiste soulève la question de l’appartenance et de l’appropriation des territoires et des concepts.
Marie Birot, 2020.
Stéphane Kenkle
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1975
Vit et travaille à La Réunion
-
N4e rue des Grands Kiosques, La Plaine des Cafres, La Réunion
Détail de Famille aux lianes, série Famille aux lianes, 2017.
Acrylique sur toile, 150 x 100 cm.
© ADAGP 2017
Détail de In lerd’fami 3, série In lerd’fami, 2018.
Acrylique sur toile, 150 x 100 cm.
© ADAGP 2018
Détail de In lerd’fami 1, série In lerd’fami, 2018.
Acrylique sur toile, 150 x 100 cm.
© ADAGP 2018
Station 9, série Somin an krwa, 2014-2015.
Acrylique sur toile, 150 x 200 cm.
© ADAGP 2014-2015
La peinture de Stéphane Kenkle est essentiellement tournée vers la représentation de la figure humaine et le portrait de famille. Les sujets, présentés en buste ou en pied, ont les yeux grands ouverts et arborent des couleurs fauves ; ils flottent dans un espace parsemé de motifs. Leurs attitudes semblent indiquer qu’ils posent, comme chez le photographe, et qu’ils espèrent faire l’effet d’une « bonne » famille. Un clan soudé où les rôles sont distribués et joués selon l’usage. Puis, on observe une main cachée dans le dos, un pied en dedans, une étreinte crispée. Un malaise craquelle l’image et révèle le caractère fabriqué de cette réunion. Le fond, tapissé de lianes, d’étoiles ou de broderies, […]
La peinture de Stéphane Kenkle est essentiellement tournée vers la représentation de la figure humaine et le portrait de famille. Les sujets, présentés en buste ou en pied, ont les yeux grands ouverts et arborent des couleurs fauves ; ils flottent dans un espace parsemé de motifs. Leurs attitudes semblent indiquer qu’ils posent, comme chez le photographe, et qu’ils espèrent faire l’effet d’une « bonne » famille. Un clan soudé où les rôles sont distribués et joués selon l’usage. Puis, on observe une main cachée dans le dos, un pied en dedans, une étreinte crispée. Un malaise craquelle l’image et révèle le caractère fabriqué de cette réunion. Le fond, tapissé de lianes, d’étoiles ou de broderies, joue pleinement son rôle de décorum dans cette étrange manigance (les titres nous le confirment : Famille aux lianes vertes, Famille aux trèfles, Famille aux capillaires…). Stéphane Kenkle gratte le vernis des icônes qui trônent sur les tablettes de nos étagères et nous propose, peut-être, de reconsidérer ces cadres et les personnes qui vivent dedans.
Marie Birot, 2020.
Anne Fontaine
MÀJ 14.03.2023
Né⋅e en 1983
Vit et travaille à La Réunion
Cueillir, 2019.
Installation, terre cuite, empreintes de feuilles, miroir, dimensions variables. Vue de l’exposition collective Open Studio La Box, 2020, commissariat collectif, La Box, Le Tampon, La Réunion. Œuvre issue de la résidence Patrimoine et création du Département, à Mascarin, Jardin botanique de La Réunion.
Œuvre © ADAGP 2019 | Photographie V. Abella
La Friche, 2019.
40 tirages numériques, encadrements en chêne (400 x 266,67 mm), 322 x 196 cm. Vue de l’exposition collective Open Studio La Box, 2020, commissariat collectif, La Box, Le Tampon, La Réunion. Œuvre issue de la résidence Patrimoine et création du Département, à Mascarin, Jardin botanique de La Réunion.
Œuvre © ADAGP 2020 | Photographie V. Abella
Les Invasives, 2019.
Installation, plantes fraîches, 4,66 x 2,44 m. Vue de l’exposition collective Papier Peint, 2019, espace Carambole et La Box, Le Tampon, La Réunion. Commissariat Yohann Quëland de Saint-Pern.
© ADAGP 2019
Mylène Techer, Les vaches, série Le repos du Paysan, 2020.
Photographie numérique, dimensions variables.
© ADAGP 2020
Anne Fontaine se sert du jardin à l’état sauvage comme d’un terrain d’observation et de recherches sociologiques et graphiques. À l’intérieur d’une zone circonscrite, elle collecte des plantes et les classifie à la manière d’un herbier. Cette cueillette méthodique traduit et accompagne le cheminement de sa réflexion et de ses questionnements sur les mouvements de populations humaines et sur les conditions du vivre ensemble. Elle utilise ensuite le dessin, la photographie, la peinture ou le papier peint comme médiums traduisant ses étapes de recherche et ses trouvailles. Au final, ses pièces deviennent des théorèmes graphiques et poétiques sur le monde du vivant. Anne Fontaine ne met pas sa technique au service […]
Anne Fontaine se sert du jardin à l’état sauvage comme d’un terrain d’observation et de recherches sociologiques et graphiques. À l’intérieur d’une zone circonscrite, elle collecte des plantes et les classifie à la manière d’un herbier. Cette cueillette méthodique traduit et accompagne le cheminement de sa réflexion et de ses questionnements sur les mouvements de populations humaines et sur les conditions du vivre ensemble. Elle utilise ensuite le dessin, la photographie, la peinture ou le papier peint comme médiums traduisant ses étapes de recherche et ses trouvailles. Au final, ses pièces deviennent des théorèmes graphiques et poétiques sur le monde du vivant. Anne Fontaine ne met pas sa technique au service d’une démonstration efficace et habile de ce qu’elle observe. Elle emploie un langage sensible, intuitif, en équilibre entre ce qui nous est inconnu et ce à quoi l’on peut se référer. Ses créations sont des hypothèses et ne cherchent pas à convaincre mais à interroger, à nous faire composer avec ce que l’on a sous les yeux. On entre dans son œuvre par sa beauté, d’une facture tenue, précise et construite, et, par effet miroir, notre parcours de sensations et de pensées épouse les contours de ce travail fin et exigeant.
Marie Birot, 2020.
KMVH
MÀJ 28.10.2022
Cent titres, 2015.
Vidéo-performance, 1 min 10 s.
Vue de l’exposition collective Borderline[s] 2, 2019.
The Granary Building, commissariat The Third Dot, Port-Louis, île Maurice. De gauche à droite : Partir, Women Immigrant, Équilibre, Langue véhiculaire.
Pars cours famille 4, 2017.
Vue d’exposition, installation vidéo pour jury DNSEP, 2018, galerie de l’École supérieure d’art de La Réunion, Le Port. De gauche à droite : Façon née, 2017, vidéo, 6 min // Pars cours famille 4, 2017, vidéo, 5 min // Trans____ion, 2018, vidéo, 1 min 6 s.
Photographie © Reynald Alaguiry
Équilibre, 2016
Photo-performance, diptyque de tirages numériques (5 exemplaires), 180 x 65 cm.
Jeune artiste protéiforme, KMVH aime travailler ce qui dans les liens - les rapports à soi, à l’autre, à l’espace et au monde - coince, bredouille ou fait obstacle, se confond, se contourne ou s’affronte, chute et se redresse, traverse et agit. L’artiste développe ainsi une œuvre photographique et vidéo-performative dans laquelle elle se met d’abord en jeu, comme à déjouer les intrigues d’une mythologie personnelle en proie à l’exil. Se pose en creux la question des repères légués, érigés ou démolis, à partir desquels nous nous construisons. C’est ce qui touche à l’identité : d’où agissons-nous, quelle place nous faisons-nous ailleurs ? L’œuvre de KMVH veut ainsi mettre en lumière des parcours […]
Jeune artiste protéiforme, KMVH aime travailler ce qui dans les liens - les rapports à soi, à l’autre, à l’espace et au monde - coince, bredouille ou fait obstacle, se confond, se contourne ou s’affronte, chute et se redresse, traverse et agit. L’artiste développe ainsi une œuvre photographique et vidéo-performative dans laquelle elle se met d’abord en jeu, comme à déjouer les intrigues d’une mythologie personnelle en proie à l’exil. Se pose en creux la question des repères légués, érigés ou démolis, à partir desquels nous nous construisons. C’est ce qui touche à l’identité : d’où agissons-nous, quelle place nous faisons-nous ailleurs ? L’œuvre de KMVH veut ainsi mettre en lumière des parcours divers, intimes ou collectifs, parfois cabossés mais toujours résistants, en quête d’espaces, d’êtres ou de mots perdus, cachés sous les valises, interdits ou attendus, transpirés par les mains ou criés par les yeux, et retrouvant place ici, dans l’œuvre agissante, en quête de transmission.
Leïla Quillacq, 2020.
Yohann Quëland de Saint-Pern
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1980
Vit et travaille à La Réunion
-
La Box : 60 rue Auguste Lacaussade, 97430, Le Tampon, La Réunion
Orchestre vide, avec Myriam Omar Awadi et Nicolas Givran, 2016-2020.
Installation performative, fauteuils, karaoké vidéo. Vidéo HD, réalisée par Myriam Omar Awadi et Yohann Quëland de Saint-Pern. Durée, dimensions et matériaux variables. Vue de l’exposition collective Sous le soleil exactement, 2017, Cité des arts, Saint-Denis, La Réunion, commissariat Nathalie Gonthier. Collection Musée National du Mali.
Courge, 2020.
Installation, courge, bois, niveau à bulle, hauteur 35 cm.
Ombre, Plaine des Sables, 2009.
Installation vidéo (50 min, HD), panoramique en deux pans, plaques de contreplaqué et projection vidéo, dimensions variables. Collection Arthotèque de La Réunion. Vue d’exposition, Biennale des Arts Actuels (ADCNI), 2009, Hangar D2, Le Port, La Réunion.
War Zone Wits, 2018.
Installation, projection vidéo, dimensions et matériaux variables. 4ème Biennale internationale de Casablanca, Maroc, collection du centre d’art Essaouira, Ifitry. Création en résidence à la Cité Internationale des Arts de Paris.
Le travail de Yohann Quëland de Saint-Pern interroge l’objet, le corps et le discours comme l’espace public, et les rapports de pouvoirs inscrits en leurs formes. Constructions ordonnancées et compositions normées relèvent d’autant d’archétypes envisagés comme des vecteurs de vitesse économique, de production ou de reproduction, de circulation des peuples et des biens et d’injonction à l’adaptation, agissant sur l’imaginaire. Énoncés, archives, images ou objets protocolaires circulent d’une oeuvre à l’autre dans des productions chaque fois « augmentables », et font écho aux histoires et réalités politiques, économiques et sociales des territoires en proie au post ou néocolonialisme. Les œuvres qui […]
Le travail de Yohann Quëland de Saint-Pern interroge l’objet, le corps et le discours comme l’espace public, et les rapports de pouvoirs inscrits en leurs formes. Constructions ordonnancées et compositions normées relèvent d’autant d’archétypes envisagés comme des vecteurs de vitesse économique, de production ou de reproduction, de circulation des peuples et des biens et d’injonction à l’adaptation, agissant sur l’imaginaire. Énoncés, archives, images ou objets protocolaires circulent d’une oeuvre à l’autre dans des productions chaque fois « augmentables », et font écho aux histoires et réalités politiques, économiques et sociales des territoires en proie au post ou néocolonialisme. Les œuvres qui découlent des recherches de l’artiste “mettent en exergue des forces en présence” et font ainsi basculer les charges invisibles qu’elles contiennent. Pour Yohann Quëland de Saint-Pern, créer revient alors à “fabriquer des outils en mesure d’ouvrir des perspectives et façonner son territoire comme champ de nouveaux possibles”.
Leïla Quillacq, extrait de texte et entretien avec l’artiste, pour documents d’artistes La Réunion, 2020.
Chloé Robert
MÀJ 28.10.2022
Renard Pâle, 2020.
Peinture murale, 3 x 2 m. Projet Kalbanon, Domaine de Bel Air, Sainte-Suzanne, La Réunion.
Crâne, 2017.
Peinture sur tissu, 45 x 45 cm.
La tribu des invisibles, 2017.
Série d’animations (collage animé), vidéos projetées in situ.
Restitution de résidence Art et Patrimoine du Département de La Réunion à l’Iconothèque Historique de l’Océan Indien, Galerie Ter’la, Saint-Denis, La Réunion
Le Mont Fuji dans le lointain, 2019.
Techniques mixtes sur papier, 65 x 100 cm.
C’est un singe qui ne court pas avec ses pieds et ses mains mais avec son énergie vitale, avec la mémoire vive de sa préhistoire. Chloé Robert l’a fait apparaître à coups de griffes. C’est pour cela que l’on sent, en creux, une lame sombre traverser son travail. C’est un monde perdu qui s’ébroue sur le papier. Son geste surgit sans préambule, il n’a pas le temps pour la politesse. Ce faisant, Chloé Robert dépouille sa pratique des enseignements académiques et de leurs codes. Elle procède en cherchant le chemin de sa propre source, sans attendre la validation de l’intellect. L’acte de dessiner, qui prévaut chez elle, prend toujours appui sur le premier trait qui lui sort des doigts car s’il est arrivé là, c’est […]
C’est un singe qui ne court pas avec ses pieds et ses mains mais avec son énergie vitale, avec la mémoire vive de sa préhistoire. Chloé Robert l’a fait apparaître à coups de griffes. C’est pour cela que l’on sent, en creux, une lame sombre traverser son travail. C’est un monde perdu qui s’ébroue sur le papier. Son geste surgit sans préambule, il n’a pas le temps pour la politesse. Ce faisant, Chloé Robert dépouille sa pratique des enseignements académiques et de leurs codes. Elle procède en cherchant le chemin de sa propre source, sans attendre la validation de l’intellect. L’acte de dessiner, qui prévaut chez elle, prend toujours appui sur le premier trait qui lui sort des doigts car s’il est arrivé là, c’est qu’il est nécessaire, comme le sont les animaux et ce que l’on appelle la Nature. Les figures qui apparaissent dans ses dessins le font le plus souvent face public. On se sent réellement regardés, interpellés, comme face à cet homme-salade à la langue pendante et au regard franc. Il vit dans une dimension propre à lui, à son espèce. Ce qui, mécaniquement, nous renvoie à notre propre endroit, individuel et collectif, à notre façon d’être un humain au monde. Un autre être végétal nous offre un regard, qui, quant à lui, est mélancolique. Il semble déçu des promesses non-tenues de l’existence. La Nature lui manque, la vraie, la pure, l’idéale, et il fixe le gouffre de cet impossible retour. « Mais tout cela, c’est juste un rêve » dit Chloé Robert.
Marie Birot, 2021.
Pascale Simont
MÀJ 28.10.2022
La nage, série L’ennui, 2010.
Huile sur toile, 60 x 50 cm.
© ADAGP 2010
Tea time, série L’ennui, 2014.
Huile sur toile, 100 x 150 cm.
© ADAGP 2014
La Fiesta, 2011.
Huile sur toile, 100 x 82 cm.
© ADAGP 2011
Gingko, 2006.
Vidéo, 4 min 46 s.
© ADAGP 2006
Un combat incessant entre primitif et culturel, intérieur - extérieur se joue sur les corps endormis de Pascale Simont, fuyants dans la rêverie ou crispés par la sidération. La figure revient sans cesse dans l’œuvre de l’artiste comme une intériorisation et une mise en chair de ses échappées abstraites récurrentes, expressions des émotions profondes. Frontière ténue entre ce qui est et ce qui doit être, les corps tuméfiés semblent ainsi pris entre deux feux, celui de l’être social qui se construit depuis l’enfance, où sont attendus la femme, la mère, la ménagère mais aussi l’athlète, et celui du corps animal primitif, instinctif. Les peintures, vidéos ou objets composites élaborés par Pascale Simont sont […]
Un combat incessant entre primitif et culturel, intérieur - extérieur se joue sur les corps endormis de Pascale Simont, fuyants dans la rêverie ou crispés par la sidération. La figure revient sans cesse dans l’œuvre de l’artiste comme une intériorisation et une mise en chair de ses échappées abstraites récurrentes, expressions des émotions profondes. Frontière ténue entre ce qui est et ce qui doit être, les corps tuméfiés semblent ainsi pris entre deux feux, celui de l’être social qui se construit depuis l’enfance, où sont attendus la femme, la mère, la ménagère mais aussi l’athlète, et celui du corps animal primitif, instinctif. Les peintures, vidéos ou objets composites élaborés par Pascale Simont sont autant d’esquisses, d’interrogations et tentatives de construction autour de cette dualité. Parfois, frontières et horizon de l’île où Pascale Simont s’est installée depuis 2000 semblent s’immiscer dans le travail de l’artiste, comme un écho à cette fiction intérieure.
Laetitia Espanol, 2020.
Jean-Claude Jolet
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1958
Vit et travaille à La Réunion
Light bulb, série Sculptures d’eau, 2014.
Sable, eau, lumière solaire, empreinte d’ampoule. Vidéo, 16 min 15 s.
© ADAGP 2022
Torsion, 2013.
Sculpture, moulages en plâtre et palettes, 2 exemplaires, 65 x 90 x 50 cm.
© ADAGP 2013
Stayin’ alive, 2020.
Sculpture en bois lamellé-collé, 150 x 120 x 100 cm.
© ADAGP 2020
Pression (Le piège), 2013.
Installation, sculpture en contreplaqué, lambrequins en peau animale, bande son.
© ADAGP 2013
C’est en observateur du monde et de ses constructions sociales que Jean-Claude Jolet élabore ses projets. Sculpteur d’origine, ses réalisations vont de la photographie à l’objet composé en passant par l’installation d’envergure architecturale, convoquant une dramaturgie humaine par la mise en abyme d’objets culturels ou politiques. Sans collision aucune, les œuvres de Jean-Claude Jolet murmurent à qui veut l’entendre une marche possible du monde, en perpétuelle construction entre mouvements et replis. Matériaux manufacturés en tout genre mais aussi éléments naturels bruts s’organisent ainsi en « sculptures mentales », sobres et délicates, empruntant la précision du technicien, l’ingéniosité du […]
C’est en observateur du monde et de ses constructions sociales que Jean-Claude Jolet élabore ses projets. Sculpteur d’origine, ses réalisations vont de la photographie à l’objet composé en passant par l’installation d’envergure architecturale, convoquant une dramaturgie humaine par la mise en abyme d’objets culturels ou politiques. Sans collision aucune, les œuvres de Jean-Claude Jolet murmurent à qui veut l’entendre une marche possible du monde, en perpétuelle construction entre mouvements et replis. Matériaux manufacturés en tout genre mais aussi éléments naturels bruts s’organisent ainsi en « sculptures mentales », sobres et délicates, empruntant la précision du technicien, l’ingéniosité du bricoleur et la sensibilité du poète.
Laetitia Espanol, 2020.
Kako
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1963
Vit et travaille à La Réunion
-
30, rue des Grands-Kiosques, Bourg-Murat, La Réunion
Vue de l’exposition individuelle Le tour des origines d’un nouveau monde - Madécasse, 2020.
Galerie Hang’Art, Saint-Pierre, La Réunion, commissariat Colette Pounia. À gauche : série Hoditra, 2020, encre et huile sur toile. Au centre : Fanal pou désot lo maye, 2020, installation, troncs, acrylique sur toile et tissus. À droite : série Les 7 filles d’Héva, 2020, huile sur toile.
© ADAGP 2020
Made in China 4, série Le tour des origines d’un nouveau monde - Made in China, 2011.
Impression sur toile, acrylique, encre de Chine et pastel, 97 x 147 cm.
© ADAGP 2011
Forêt d’hiver, 2020
Troncs de tamarins des hauts, socle acier.
Kako © ADAGP, Paris
La Kour Madam Henry - Tètflèr, 2022
Diptyque. Tirages numériques (3 ex), dimensions variables.
Kako © ADAGP, Paris. Stéphane Kenkle, ADAGP, Paris.
Kako grandit dans les hauts de l’île de La Réunion où la nature est omniprésente, luxuriante. Dès l’enfance, il développe un intérêt intense pour cet environnement et, en particulier, une fascination pour les arbres. En les observant, il perçoit des signes, des mouvements, une forme surprenante de langage. Et c’est ainsi que l’arbre est devenu une figure de référence dans son travail plastique. Dans son dessin, sa peinture, ses installations, la silhouette de l’arbre découpe l’espace, recadre l’image et semble s’interposer entre le spectateur et la scène qui se déroule derrière ses ramures. L’artiste utilise l’analogie au système racinaire pour étudier l’Histoire du peuplement de La Réunion qu’il appelle […]
Kako grandit dans les hauts de l’île de La Réunion où la nature est omniprésente, luxuriante. Dès l’enfance, il développe un intérêt intense pour cet environnement et, en particulier, une fascination pour les arbres. En les observant, il perçoit des signes, des mouvements, une forme surprenante de langage. Et c’est ainsi que l’arbre est devenu une figure de référence dans son travail plastique. Dans son dessin, sa peinture, ses installations, la silhouette de l’arbre découpe l’espace, recadre l’image et semble s’interposer entre le spectateur et la scène qui se déroule derrière ses ramures. L’artiste utilise l’analogie au système racinaire pour étudier l’Histoire du peuplement de La Réunion qu’il appelle « Le Nouveau Monde » en raison du caractère forcé de ce mélange de cultures. Il part alors mener son enquête à travers la zone indo-océanique et restitue dans ses pièces la poésie et l’étonnement nés de la friction entre son imaginaire et les bouts de mondes qui se sont glissés entre ses racines. Depuis 2019, Kako développe une expérimentation artistique avec Stéphane Kenkle : La Kour Madam Henry, menée sur le terrain de Kako à Mont-Vert les Hauts, où ils plantent jardin et forêt, à l’écoute du vivant.
Marie Birot, 2020
Myriam Omar Awadi
MÀJ 28.10.2022
Né⋅e en 1983
Vit et travaille à La Réunion
-
La Box : 60 rue Auguste-Lacaussade, 97430, Le Tampon, La Réunion
Esthétique de la broderie - La visite guidée, 2012.
Performance, 30 min. Autrice : Myriam Omar Awadi. Acteur : Nicolas Givran. Avec la participation du SAMSAH DV, association accompagnant les personnes en situation de handicap visuel. Coproduction Artothèque de La Réunion.
(IN)ACTE IV / BRODER, 2011.
Installation, matelas, deux draps brodés 245 x 225 cm, projection vidéo 16/9 HDV, 30 min (lecture en boucle).
(IN)ACTE III / MARCHER SUR DES ŒUFS, 2009.
Installation, 150 coupelles de porcelaine, projection vidéo 16/9 HDV, 3 min en boucle. Vue d’exposition collective, Biennale ADCNI 2009, Le Port.
Orchestre vide, Karaoké de la pensée, avec Yohann Quëland de Saint-Pern, 2016.
Installation performative. Idée originale de Nicolas Givran, Myriam Omar Awadi et Yohann Quëland de Saint-Pern. Conception et réalisation : Myriam Omar Awadi et Yohann Quëland de Saint-Pern.
Broder, faire et défaire, comme ne rien faire, sont des sortes de « non-actes » ou de « contre-actes » composant l’œuvre de Myriam Omar Awadi. Par l’écriture, le dessin, l’image ou la performance, l’artiste tisse la trame de romances ordinaires « dont il ne reste finalement que les fioritures ». Esthétique de la broderie , les (IN)ACTES ou Paroles Paroles sont des corpus d’œuvres conçus comme des laboratoires de recherche et de création dans lesquels le langage mais aussi les silences, les corps et les absences deviennent matières plastiques et sujets de potentiels récits. Dévidant le fil de ce qui résiste dans le geste, l’objet ou la représentation, un motif apparaît en toile de […]
Broder, faire et défaire, comme ne rien faire, sont des sortes de « non-actes » ou de « contre-actes » composant l’œuvre de Myriam Omar Awadi. Par l’écriture, le dessin, l’image ou la performance, l’artiste tisse la trame de romances ordinaires « dont il ne reste finalement que les fioritures ». Esthétique de la broderie, les (IN)ACTES ou Paroles Paroles sont des corpus d’œuvres conçus comme des laboratoires de recherche et de création dans lesquels le langage mais aussi les silences, les corps et les absences deviennent matières plastiques et sujets de potentiels récits. Dévidant le fil de ce qui résiste dans le geste, l’objet ou la représentation, un motif apparaît en toile de fond : la fleur bleue, comme l’éloge du rien, le symbole d’un désir larvé. Celle-ci laisse peu à peu la place au sequin, réfléchissant la lumière dans l’espace déserté et ornant la nuit pour la faire briller. L’œuvre de Myriam Omar Awadi interroge ainsi les manières d’habiter les vides et de démonter le spectacle, de faire choir ce qui fascine pour revenir à ce qui mord, et d’attaquer le monde… par une chanson d’amour.
Leïla Quillacq, extrait de texte et entretien avec l’artiste, pour documents d’artistes La Réunion, 2020.
Abel Techer
MÀJ 28.10.2022
Représenté⋅e par Maëlle Galerie, Paris
Sans Titre, 2020.
Huile sur toile, 180 x 230 cm.
Œuvre © ADAGP 2020 | Photographie courtesy Maëlle Galerie
Fais semblant!, 2016.
Vue de l’exposition individuelle Fais semblant!, 2016, Musée Léon Dierx, Saint-Denis de La Réunion. À gauche : Sans Titre.
Œuvre © ADAGP 2016 | Photographie courtesy Maëlle Galerie
I call you from the crossroads, 2020.
Vue de l’exposition individuelle I call you from the crossroads, 2020. Commissariat Julie Crenn, Maëlle Galerie, Paris. De gauche à droite : Rites pour d’autres corps, Ti femèl.
Œuvres © ADAGP 2020 | Photographie J. Michel, courtesy Maëlle Galerie
« L’autoportrait est cette étrange manière de devenir autre. » Au côté d’une pratique qui aborde dessin, sculpture, photographie, vidéo et installation, Abel Techer montre principalement de la peinture (…). L’aspect quasiment religieux des mises en scène dans lesquelles persiste le profane du quotidien, les références nombreuses à la peinture d’église, participe de la peinture intime d’une société créole traversée par l’ambiguïté des croyances, la porosité toujours possible des espaces, la métamorphose toujours possible des corps. Une peinture où cohabitent le sublime de la transfiguration, le trivial du corps quotidien et des objets, le sacré et l’obscène, l’étrangeté queer (« Les […]
« L’autoportrait est cette étrange manière de devenir autre. »
Au côté d’une pratique qui aborde dessin, sculpture, photographie, vidéo et installation, Abel Techer montre principalement de la peinture (…). L’aspect quasiment religieux des mises en scène dans lesquelles persiste le profane du quotidien, les références nombreuses à la peinture d’église, participe de la peinture intime d’une société créole traversée par l’ambiguïté des croyances, la porosité toujours possible des espaces, la métamorphose toujours possible des corps. Une peinture où cohabitent le sublime de la transfiguration, le trivial du corps quotidien et des objets, le sacré et l’obscène, l’étrangeté queer (« Les propriétés malléables du genre »*), le réalisme et le fantastique, l’imaginaire du rêve. Abel Techer nous offre ainsi au fil des toiles, le journal très contemporain de ses transformations (…) Des liaisons souterraines ne cessent de relier sa peinture à de plus vastes contrées, irriguées par l’inconscient vivace des sociétés créoles. La succession des toiles compose alors une sorte de roman d’apprentissage au cours duquel le corps du peintre se modifie sans cesse, et, d’une toile à l’autre, s’approche, au sens biblique sinon magique du terme, d’une possible transfiguration.
Pierre-Louis Rivière, 2020.
*Un trouble dans le genre, Judith Butler, Éditions La Découverte, 2005.